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Sonos es una empresa de tecnología de sonido líder de EE. UU. que es conocida por sus pioneros sistemas de sonido multiroom inalámbricos que permiten a las personas llenar sus casas con su música y contenido favoritos. La empresa no deja de innovar y diseñar altavoces inalámbricos, sistemas de cine en casa, auriculares, componentes arquitectónicos y soluciones de audio domésticas integradas que revolucionan la forma en que las personas escuchan y utilizan el sonido.

Aunque el sonido es una parte fundamental de todo lo que hacemos en Sonos, nunca se había asociado un sonido a nuestra marca. Hasta hoy. Aprovechamos el lanzamiento de Sonos Radio para presentar nuestro sonido insignia. Philip Glass, el maestro icónico de la música clásica contemporánea, lo ha compuesto y lo puedes escuchar al conectarte a Sonos Radio. Te contamos la historia detrás de su trabajo.

, Dmitri Siegel, el vicepresidente de marca global de Sonos, vio que faltaba un elemento esencial. «Nos dimos cuenta de que Sonos no tenía un sonido distintivo que le identificase», afirma Siegel. «El sonido nos fascina y nos tiramos todo el día pensando en él, pero no teníamos un sonido que representara a Sonos. Cuando hicimos una lista de los que podían componer ese sonido, Philip Glass siempre ocupó el primer puesto».

Las décadas de exploración de la repetición y la modularidad con las que cuenta Glass lo convirtieron en la opción perfecta para componer el sonido partiendo de la identidad visual y el nombre de Sonos, que se basan en la simetría y la sencillez. Afortunadamente, gracias a su relación con 

Brian Beck, director general de música de Sonos

, sabíamos que tenía Sonos en casa y que incluso 

. Siegel añade: «Philip Glass es la opción perfecta para Sonos debido a la combinación de formalidad, exuberancia, humanidad y rigor técnico que tiene su música».

Cuando Glass aceptó el proyecto, las instrucciones que le mandó Siegel fueron muy sencillas:

Sonos es una palabra inventada que significa sonido.

Ahora necesitamos crear un sonido que signifique Sonos.

Y Glass, uno de los compositores norteamericanos más influyentes del último siglo, no nos defraudó. Glass define así el resultado: «La composición refleja dos extremos opuestos de un espectro: lo orgánico y lo electrónico. Lo orgánico, representado por los instrumentos acústicos, refleja el acto de escuchar solo o en compañía. Lo electrónico, que se manifiesta en los elementos sintetizados, es un guiño a la tecnología rompedora de los productos Sonos, tanto en la reproducción del sonido como en la conectividad».

Para conocer el sonido de los altavoces Sonos, Glass trabajó con Giles Martin, un compositor y productor aclamado, y el jefe de la experiencia acústica de Sonos. «Queríamos asegurarnos de que el tono y el alcance de la composición mostraran el potencial de los altavoces, y de que la composición abordara esos momentos de la experiencia del usuario en los que el sonido se usa de manera explícita», afirma Martin.

Para que la composición cobrara vida, se grabó con 21 músicos en el DiMenna Center for Classical Music de Nueva York. La grabación incluye una sección de cuerda de 17 instrumentos, una flauta, una trompeta, una trompa, un piano y sintetizadores electrónicos.

Una vez grabada, Martin mezcló y masterizó el distintivo Sonos en colaboración con el ingeniero de sonido Sam Okell, ganador de varios premios Óscar y Emmy. Cuando acabaron, Siegel por fin había encontrado ese sonido que identificaba a Sonos.

En definitiva, Glass creó un conjunto completo de elementos que identifican a la marca, que varían en duración y finalidad, y que sirven como «referencia sonora» para la experiencia de sonido Sonos. Martin y el equipo de experiencia de sonido trabajarán a partir de ello para definir la identidad sonora de Sonos de ahora en adelante.

Nos sentimos orgullosos de poder compartir contigo el producto final, que puedes escuchar en la siguiente animación. Lo ideal es que lo escuches en tu sistema Sonos porque, como apunta Glass, se compuso «usando el espectro de frecuencias completo para poder demostrar el alcance y la profundidad de los altavoces Sonos».

 y escucha con un sonido brillante el distintivo Sonos, emisoras por géneros, programas originales y miles de emisoras de radio de todo el mundo.

¿Qué sonido representa a «Sonos»? Philip Glass tiene la respuesta.

Global Head of Editorial

Brian Beck, director general de música de Sonos, remueve cielo y tierra hasta dar con la canción o el artista perfectos para nuestros anuncios, eventos o listas de música. Descubre cómo se mantiene al día de los éxitos actuales y no te pierdas sus tres consejos para crear buenas listas de música.

Cuando creces en la pequeña ciudad de Fairbanks (Alaska) en los años 80, tienes que buscarte la vida para descubrir música nueva. Pero cuesta aún más salir a las cinco de la mañana a repartir periódicos a temperaturas bajo cero. Todos estos esfuerzos han llevado a Brian Beck a forjarse una carrera en la música que ha abarcado la radio, los servicios de streaming, los sellos discográficos y la representación de artistas hasta llegar a su puesto actual como director general de música en Sonos.

Fue en una de aquellas mañana oscuras y glaciales cuando Brian empezó a sentir una obsesión por la música que le ha durado hasta hoy. «Mi madre me llevaba en coche a repartir periódicos porque estaba muy oscuro y había cuarenta grados bajo cero. Hacía demasiado frío para ir en bici», nos cuenta Brian. «En el coche solíamos poner cintas de los Beatles, Motown o Led Zeppelin. Ese era nuestro ritual cada domingo por la mañana». Aparte de eso, el contacto de Brian con la música se limitaba al pop local que ponían en la radio y a lo que encontraba en Music Land, la única tienda de música que había en el centro comercial.

Pero todo cambió en agosto de 1981. «Cuando apareció la MTV se abrió un sinfín de posibilidades», afirma. «En Alaska, la televisión es algo muy importante en tu vida. Yo soy producto de la MTV». Brian terminó consiguiendo un puesto en la MTV, no sin antes ganarse un nombre en la radio.

«Trabajar en la música fue algo accidental, por así decirlo». Cuando Brian iba al instituto en Seattle tuvo que elegir un trabajo para la jornada sobre la carrera profesional. «Anteriormente aquel año, mi grupo de música había participado en un concurso de talentos municipal y, después de aquello, un patrocinador de una emisora de radio nos regaló un montón de discos gratis. Así que, cuando llegó el momento de decidir qué quería hacer durante la jornada sobre la carrera profesional, dije que quería ser DJ porque me imaginaba que así conseguiría más discos gratis». Después de pasar el día en la emisora KNDD 107.7 The End de Seattle consiguió unas prácticas que se convirtieron en un puesto a tiempo completo como programador musical y locutor. «Así es…», recuerda, «todo empezó porque quería conseguir música gratis durante aquella jornada».

Cuando Brian llegó a la MTV, su trabajo consistía en crear listas de música de distintos géneros para que la cadena se metiera en el sector de la música en streaming. «Ahí fue donde aprendí lo importante que es dedicar tiempo a crear listas de música», reconoce. Brian no se conformaba con simplemente poner canciones con algo en común, sino que puso en práctica esa meticulosidad que había adquirido durante su trabajo como programador en la radio para crear listas optimizadas para la reproducción en streaming.

La fricción entre el arte y el dinero afecta a toda la industria musical. Durante su época de representante, aprendió a equilibrar las dos cosas sin renunciar, y esto es esencial, al estilo de cada artista. Trabajó con los equipos de My Morning Jacket, The Head and the Heart y Preservation Hall Jazz Band, entre otros. Y asumió tareas de supervisión de marketing, estrategias en línea, productos publicitarios y mucho más. Por aquel entonces, sin saberlo, estaba adquiriendo una experiencia que posteriormente necesitaría para desempeñar su puesto en Sonos.

A lo largo de toda su carrera ha visto en primera persona cómo el consumo de la música ha ido evolucionando, desde las cintas de casete y los CD hasta los mp3 y el streaming. Y, durante ese proceso, ha sido testigo de cómo la balanza ha pasado de inclinarse por la calidad para hacerlo hacia la comodidad. «A mí siempre me ha importado la calidad del sonido, pero no era algo práctico», confiesa. Cuando adquirió su primer altavoz Sonos, un Play:5 de primera generación, fue cuando por fin encontró la manera de disfrutar de un sonido brillante sin renunciar a la comodidad. «Recuerdo que pensé: “Madre mía, qué fácil es”», comenta. Finalmente, con este gran descubrimiento sobre lo que era realmente el sonido de calidad y su más que amplia experiencia en el sector de la música, Brian se incorporó a Sonos a finales de 2015 como director de relaciones artísticas para EE. UU.

Actualmente se encarga de buscar y conseguir artistas y canciones para cualquier cosa relacionada con la música que necesite Sonos. Para ello, entabla relaciones estrechas con los equipos de los artistas que encajan con los valores y la imagen de Sonos, como los Beastie Boys, Frank Ocean y Karen O, por nombrar a algunos. «Mi trabajo consiste en presentar Sonos a grandes artistas con la esperanza de que les gusten nuestros productos», explica Brian. «Así, cuando llega el momento de elegir música para un proyecto, el trato con el equipo es mucho más fácil porque el artista ya ha utilizado Sonos y le encanta».

En los últimos cuatro años, esas relaciones han seguido fortaleciéndose y han aportado una banda sonora coherente a diferentes presentaciones de productos con gran repercusión mediática, activaciones de la marca, colaboraciones y eventos. Aunque el trabajo de Brian parece consistir en una ardua tarea que debe llevar a cabo él solo, en realidad nos cuenta que lo más importante es formar parte de un equipo increíble. «Este equipo está formado por los mejores compañeros con los que he trabajado en mi vida y eso hace que este sea el trabajo de mis sueños», afirma. «Todo el mundo ha tenido una trayectoria diferente y eso es algo que aporta perspectivas únicas y muy valiosas. Así tenemos la garantía de que siempre obtenemos los mejores resultados posibles».

Elegir con qué artistas trabajar requiere mantenerse al día de la música actual y estar muy puesto. En ese sentido, su método ha cambiado mucho desde que empezó recorriendo los pasillos de Music Land en Alaska. «Ahora a lo que recurro principalmente es al streaming», nos cuenta. «Sigo entre 50 y 70 listas de música nueva en todos los servicios de música en streaming». Y es ahí de donde realmente parte su trabajo: «Cada semana añado cualquier cosa que suene interesante o aparezca en varias listas de música a una lista de “Posibles”». Brian pule la lista de música apoyándose en las redes sociales, siguiendo a diferentes artistas y sellos discográficos en Instagram y visitando ocasionalmente tiendas de discos para que no se le escape nada. Por último, vuelve a escuchar la lista unas cuantas veces más hasta que la reduce a su versión definitiva, y recurre a ella cuando le preguntan qué música deben usar con la siguiente iniciativa de Sonos.

Cuando aparca por un momento sus tareas en la industria musical, le suelen pedir que utilice su conocimiento para crear listas de música oficiales para Sonos. Su método para crearlas es bastante exhaustivo, pero merece la pena. Por este motivo, queremos compartir contigo lo que más nos gusta de su método. Estos son los tres grandes consejos de Brian para crear tus propias listas de música.

«Aunque pienses que conoces bien un género, un estilo o una categoría concreta, utiliza Internet para seguir profundizando. Busca en foros virtuales porque hay muchísimos frikis musicales por ahí que comparten cosas que te pueden resultar útiles. Explora otras listas de música (por ejemplo, si estás haciendo una lista de jazz, es posible que New Yorker tenga una lista de jazz que merezca la pena consultar). Por último, busca listas de artistas en los servicios de streaming (los artistas suelen conocer a otros artistas y cuentan con el filtro de sus fans, por lo que puede que encuentres canciones no tan conocidas). Piensa que investigar así te permite ampliar tus conocimientos musicales».

«El ritmo es el elemento más importante de una lista de música. La canción con la que empieces determinará el tono del resto de la lista. Si empiezas con ritmo, lo suyo es mantener esa energía en toda la lista. Sin embargo, si lo planteas como un recorrido o una sesión de DJ, puedes ir aumentando el ritmo poco a poco. En ese caso, intenta incorporar subidas y bajadas, momentos esperados y momentos inesperados. Cuando añadas canciones, piensa siempre en cómo combinan. Si una canción termina con sonidos fuertes y la siguiente empieza con sonidos suaves, quizá sea mejor empezar con la segunda».

«Una vez que ya tienes tu lista hecha, escúchala muchas veces de principio a fin. Después, deja de escucharla durante un tiempo. Déjala reposar durante aproximadamente una semana y vuelve a escucharla para ver si te sigue gustando. Cada vez que la pongas, pregúntate qué quieres añadir o quitar. Algunas canciones simplemente no están hechas para formar parte de una lista de música, ya sea por la forma en la que terminan o porque incluyen un interludio que forma parte de un mensaje de voz. Ese tipo de canciones no son ideales para una lista de música. También conviene que prestes atención al volumen de las canciones, ya que algunas tienen un volumen más bajo que otras. Por ejemplo, si preparas una lista para una fiesta y pasas de una canción con un volumen muy alto a otra con un volumen bajo, no va a quedar bien. Lo mejor que puedes hacer en ese caso es ponerla antes en la lista o eliminarla directamente. No olvides que con esa lista de música quieres crear cierto ambiente, así que elige canciones que se correspondan con ese ambiente que quieres crear».

¿Te ha gustado? Comparte tus listas en las redes sociales con la etiqueta @Sonos. ¡Sorpréndenos con tus gustos musicales!

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Photography by: Danny Clinch

Philip Glass opens his own door. He ushers me into the front room of his East Village brownstone — busy, unkempt and fully lived-in — to drop my coat off and wait a minute. I am, it seems, early, and Glass is still busy with his previous task. As I peel layers that protected me from a frosty New York afternoon, Glass shuffles into the next room over — the music room, it turns out — and gets back to quietly, intently banging out single notes on a piano. Let me tell you, there is no feeling like the feeling you get when you realize that you have accidentally interrupted Philip Glass — among the most influential American composers of the last century, one of the masters of contemporary classical music “with repetitive structures” (he shies away from the term “minimalist”), recipient of countless arts awards and lifetime-achievement medals — from working on music.

Philip Glass' shelf of sheet music and a Play:3.

Glass has lived in this house since 1984, and that crowded room — grand piano, synthesizer, floor-to-ceiling bookshelves filling up much of its capacity, sheet music, art and Eastern artifacts on every surface — is where he does his composing. It is, in fact, the room where he wrote most of Symphony No. 11, which premiered at Carnegie Hall on January 31st, which also happened to be Glass’s 80th birthday, the overlapping hallmarks far from a coincidence.

“The whole thing was a set-up,” Glass says through a smirk that rarely disappears during our conversation, a couple of weeks after the event. “The people who work for me commissioned it to be done on my birthday which was going to take place at Carnegie Hall.” (He assumes a voice of faux-incredulity: “No pressure. ’Oh, I see, this is my party and I have to do the work?’”) Glass says he temporarily fretted the stressful circumstances — rewriting the symphony’s last 11 pages after the first rehearsal because “I realized that the ending was not definitive enough” — but estimates that the debut, performed by the Bruckner Orchestra Linz, under the direction of its chief conductor (and longtime Glass collaborator), Dennis Russell Davies, went over pretty well. “The reception seemed fairly authentic. People really did like it. They weren’t just applauding because I was 80, like you might see with [older] people out running in the park, and people go ‘Yay’ only because they can still do it.”

“My days of listening were connected to my father’s record store, where I began working when I was 12. My first job in the music world was advising people what records they should buy, so I had to know all the records in the store.”

A moment later, referencing his own feelings in the symphony’s aftermath, Glass casually declares that “Writing it and hearing it is not exactly the same.” In a nutshell, this dichotomy is at the center of our discussion: how, for a composer, especially one as long-established as Glass, the acts of conceiving and listening are both intertwined and separate, and how such actions relate to one another when writing a massive piece such as the Eleventh.

For Glass, some notions of these concepts arrived early. Though he began attending Baltimore’s prestigious Peabody music school at the age of eight, he’s certain that “My days of listening were connected to my father’s record store, where I began working when I was 12. My first job in the music world was advising people what records they should buy, so I had to know all the records in the store. They would come in and say, ‘Well, I want to buy Beethoven’s Third Symphony’ and I would say, ‘Do you like it fast or do you like it slow? If you like it slow, you can get Bruno Walter’s. If you like it fast, we can get you Toscanini. If you want an American version, we got Leonard Bernstein’s.’ I had to listen professionally, you might say.”

Glass’s listening also needed to be mindful of the budding audiophile market. “We were aware of which were the good sounding records and which were not, but the people who were nuts about sound they didn’t care about the content. We’d say, ‘We just got a new marching-band record, you won’t believe how the brass sounds.’ We were selling music.”

As Glass moved through his schooling and creative evolution — at the University of Chicago and at New York’s Julliard School of Music; then in Paris, studying with the famous composition teacher Nadia Boulanger and 

notating the Indian music of Ravi Shankar

; then back to New York, where in 1967 he founded the Philip Glass Ensemble for the performance of his own budding compositions — he says, “I hardly listened at all.”

Glass’ fluency reading music and imagining it off the page accelerated his understanding of compositions and its forms. “I would pretend to be following lectures and actually I was reading a Beethoven quartet,” he says of racing the pedagogues and winning “because I could read faster.” Yet he also recognized the flaws in conceptualizing composed sound without actually listening back to it. “Are we hearing it accurately? Are we writing down what we want to hear?” Glass asks. In his mind, the greatest challenge of imagined accuracy is “hearing the music in real-time. It’s very hard to do. So you end up playing it on the piano,” which, if the piece is symphonic, is not the music’s true representation either. The relationship between linear time and writing is a life-long conundrum. “I think these are challenges for composers at any point in their life. You don’t get particularly better — you may learn certain tricks, but that’s it.”

Technology has certainly changed his landscape. It is interesting to hear Glass — who recently had a Sonos system set up throughout his house — discuss digital tools as “assets” in his process. Including, in the writing of the new symphony.

“I was working with Dennis,” he recounts of the lead-up to the Carnegie Hall premiere. “We were going over some transitions, and he had the rehearsals on a digital recorder. I had it put on Dropbox, pulled up the rehearsal on my phone, so we listened to it together, and would say, ‘well maybe we can cut a couple of measures here.’ Now in my music room, I tend to listen to playback of things, the rehearsal tapes. That became very useful.”

Aging has done its share to affect how Glass’ hears — “Perceptual faculties become degraded biologically,” he says, matter of factly. “Look I’m 80, what else is going to happen?” – but also, more importantly, what he chooses to hear.

“Mostly, I listen occupationally. Of course it’s fun to listen, but I don’t listen for fun. When I listen to Anoushka Shankar’s new album, for instance, I am more listening to see if she’s got a good band, if they’re playing together, would Ravi be happy when he heard it. Or, if I hear an orchestra, I want to hear the conductor, I want to hear how they sound.” The smirk rises to the fore once more. “I have all kinds of sinister agendas for listening tucked away.”

Glass says that, beyond music, he has other reasons to love his Sonos set-up. “I find that in my bedroom, I listen to the news — the stations are listed and they don’t drift. But listening for pleasure…” His voice trails away. “My ideal place is some place where they don’t play music. I found for example, that Chinese restaurants in New York don’t have music, have you noticed that?”

Philip Glass on Listening (and Composing) at 80

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